La música y el cine son elementos que se unieron, produciendo una amalgama que difícilmente podrá ser separada algún día. No sólo cine y música en el cine. También Música y Televisión.
El nombre de Renato Carosone es casi desconocido para la gran mayoría de las personas. Incluso para mi, hasta hace unos meses atrás, no me decía nada y sólo podía deducir (por su apellido) que era de origen italiano.
Pero… ¿Quién es Renato Carosone?... La verdad es que la pregunta debería ser ¿Quién fue Renato Carosone?... Pues este músico italiano falleció en el año 2001 a los 81 años de edad.
Renato Carosone fue un cantante y compositor italiano, quien se hizo conocido en 1956 cuando escribió la canción "Tu vuò fa l'americano", junto a Nicola Salerno. Esta canción era una combinación de swing y de jazz que se convirtió en una de sus canciones más conocidas.
Tanto fue el éxito que tuvo esta canción que fue escogida para la película de 1960 "Comenzó en Nápoles", que realizó la Paramount Pictures y que protagonizó Clark Gable, Sofía Loren y Vittorio de Sica.
"Tu vuò fa l'americano" ha tenido a través de los años un par de apariciones más en el cine, pero se ha vuelto a poner de moda por la utilización de esa canción (con otra letra), en una sátira puesta en el sitio YOUTUBE.
A continuación les dejo el video con la canción original "Tu vuò fa l'americano", y luego la sátira por internet.
Corría el año de 1969 y el mundo recibía -de parte del cine- el relanzamiento de una de las más afamadas películas de los estudios Disney. La película "Fantasía".
Esta película de animación había sido realizada 29 años antes, cuando en 1940 la Disney lanzó este film animado que tenía una característica especial. Era la primera película de la historia en la que se "invertía" el proceso film-música. Me refiero a que -en este caso- se hizo una película para la música, cuando normalmente se hace la música (incidental) para la película.
La película fue dirigida por James Algar y Samuel Armstrong. James Algar fue un director de cine, guionista y productor que -durante su vida- realizó varios trabajos con Disney, destacándose antes de Fantasía con el film "Blancanieves y los siete enanos" en 1937. Samuel Armstrong era también parte del equipo de Disney, destacándose en películas como "Bambi" (1942) y "Dumbo" (1941).
La película "Fantasía" nos cuenta siete historias, en las que el principal elemento de cada historia es la música. Siendo este elemento el trasendental la Disney se preocupó de que la música se convirtiera en un protagonista de todo el film, desarrollando para esto una banda sonora que recibió el nombre de "Fantasound".
El sonido Fantasound es un sonido que se graba y reproduce en cuatro canales de sonido estéreo del tipo SuperScope (que es compatible con Cinemascope). Sin embargo esta excelente tecnología del sonido no era factible de reproducir (en 1940) en todas las salas en que se exibiría el film, por lo que el sonido se distribuyó en el convencional tipo monofónico. Sólo desde 1956 fue posible distribuir la película Fantasía con el sonido original Fantasound, en cuatro canales de sonido estereofónico.
El relanzamiento de 1969 de "Fantasía" tiene en mi una rememoranza muy especial, pues en ese tiempo era un niño pequeño que me impresioné profundamente con la película. Creo que ella influyó en el gusto que tengo por la música clásica.
Fantasía, como ya mencioné, son siete historias. Cada una de ellas acompañada por la magistral selección de música de grandes compositores de todos los tiempos. La orquesta seleccionada para la ejecución de las piezas fue la afamada Orquesta Sinfónica de Filadelfia, dirigida por Leopold Stokowski, afamado Director de orquesta inglés que logró fama por el estilo logrado con la Sinfónica de Filadelfia, llegando a ser llamado "El sonido Filadelfia" por la audacia de sus creaciones como por la versatilidad y teatralidad de sus presentaciones. Es la silueta de Leopold Stokowski la que aparece al inicio de la película frente a su orquesta, el mismo que es interrumpido por Mickey en la ejecución de una pieza.
Los temas interpretados por la Sinfónica de Filadelfia son, en orden de aparición:
Tocata y Fuga de Johann Sebastian Bach.
El Cascanueces de Pyotr Ilyich Tchaikovsky.
El aprendiz de hechicero de Paul Dukas.
La consagración de la primavera de Igor Stravinsky.
Sexta Sinfonía de Ludwig van Beethoven.
Danza de las horas (de la ópera La Gioconda) de Amilcare Ponchielli.
Una noche en el Monte Calvo de Modest Mussorgsky.
El Ave María de Schubert.
Estas dos últimas piezas van unidas, formando un todo, en la séptima y última historia.
Con motivo de la llegada del nuevo milenio la Disney lanzó, en 1999, una versión actualizada del film, la que se llamó "Fantasía 2000", la que se presentó con nuevos temas de música clásica.
A continuación les dejo para el recuerdo algunos minutos de esta gran película:
"Tocata y Fuga" de Johann Sebastian Bach.
"El aprendiz de hechicero" de Paul Dukas, con la actuación del ratón Mickey
Si no tienes la oportunidad de ver los videos en tu navegador, haz clic en los siguientes enlaces:
Maurice Jarre fue un músico francés nacionalizado estadounidense, cuya música ha estado siempre ligada al cine. Entre 1962 y 2001 participó como compositor de la música de 58 films, siendo algunos de ellos:
(1962) Lawrence de Arabia (Óscar a la mejor Banda Sonora Original),
(1965) Doctor Zhivago (Óscar a la mejor Banda Sonora Original),
(1970) La hija de Ryan,
(1974) La isla del fin del mundo,
(1977) Jesús de Nazareth,
(1978) El tambor de hojalata,
(1984) Pasaje a la India (Óscar a la mejor Banda Sonora Original),
(1985) Enemigo mío,
(1987) Sin salida,
(1987) Atracción fatal,
(1989) Cocktail,
(1989) La sociedad de los poetas muertos,
(1990) Ghost (nominado al Óscar),
(1999) Sunshine.
Estuvo en nueve ocasiones nominado al premio Óscar por Mejor Música. Consiguió tres Premios, los que curiosamente fueron producciones fílmicas del director de cine británico David Lean.
En el año 2003 Maurice Jarre anunció su retirada definitiva de la composición musical para el cine.
Maurice Jarre falleció en la ciudad de Los Ángeles, California (EEUU) el 29 de marzo de 2009 a causa de un cáncer.
Maurice Jarre fue padre del también músico y compositor de música con sintetizadores, el francés Jean Michel Jarre.
Deseo dejar con ustedes este video que fue preparado por el amigo Benny Debney y que se encuentra en Youtube.
Al hablar de la música en el cine no podemos dejar de hablar de uno de los músicos más prolíficos de la historia del cine. Me refiero al increíble Alfred Newman, quien compuso la música de los más importantes films desde los comienzos del cine parlante hasta 1970, año en que murió.
Alfred Newman es "poco conocido" como nombre, pero sin duda que son millones de personas las que han escuchado sus creaciones musicales en los innumerables films en que de supo conmovernos con la especial mezcla de la música incidental para escenas que quizás nunca olvidemos. ¿Cómo olvidar la música de "La Conquista del Oeste"? ¿o la creación del suspenso para "Aeropuerto"?
Pocos saben que el famoso tema que da la introducción de las películas de los Estudios Twenty Century Fox es una creación de Alfred Newman, por ejemplo. Alfred Newman fue un compositor estadounidense de música de cine, uno de los más importantes de la historia del séptimo arte (junto a John Williams). nació en 1901 en EEUU y falleció en su país natal a los 68 años, en 1970.
Debutó con la música del film "La Calle sin salida" de 1931, tres años después de que las películas comenzaran a hacerse sonoras. Su última obra fue la música del film "Aeropuerto" (1970), estrenada poco después de su muerte, acaecida ese mismo año. Durante su carrera recibió 45 nominaciones a los premios de la academia (record compartido con John Williams) y ganó el premio en 9 oportunidades. 1938 (Alexander's Ragtime Band); 1940 (Tin pan alley); 1943 (La canción de Bernadette); 1947 (Siempre en tus brazos); 1952 (With a song in my heart);1953 (Llámame señora); 1955 (La colina del adiós); 1956 (El rey y yo); 1967 (Camelot).
Newman tiene la "gracia" de haber sido nominado al Oscar por la música de 4 filmes en el mismo año (1940).
Entre los innumerables films donde participó musicalmente, tal vez los más conocidos, podemos nombrar:
1939 Beau geste 1939 Gunga din 1939 Cumbres borrascosas (nominado al Oscar) 1940 El signo del Zorro (nominado al Oscar) 1940 El renegado 1940 Las uvas de la ira 1940 El despertar de una ciudad 1941 Bola de fuego (nominado al Oscar) 1941 ¡Qué verde era mi valle! (nominado al Oscar) 1941 Sangre y arena 1942 Mi chica favorita (nominado al Oscar) 1943 El diablo dijo no 1944 Las llaves del reino 1947 Nido de víboras (nominado al Oscar) 1949 Hablan las campanas 1953 El Manto sagrado 1955 Papá piernas largas (nominado al Oscar) 1956 Anastasia (sólo adaptación musical junto a Ken Darby) (nominado al Oscar) 1959 El diario de Ana Frank (nominado al Oscar) 1963 La conquista del Oeste (Con Ken Darby) (nominado al Oscar) 1965 La historia más grande jamás contada (nominado al Oscar) 1970 Aeropuerto (nominado al Oscar)
Él fue ejemplo que siguieron en su familia los también compositores de música para cine; ya que Alfred Newman es el padre de los compositores David y Thomas Newman, es tío de Randy Newman y hermano de los también compositores Lionel y Emil Newman. Les dejo a continuación una selección de música de films de Alfred Newman, selección desarrollada por Beny Debney y expuesta en YouTube.
En septiembre de 1966 yo era un niño que apenas sabía andar y pronunciaba algunas palabras. En aquellos años pocas personas en Chile podían disponer de un aparato de televisión, por lo que las pocas personas que tenían uno compartían "gratas" visitas que disfrutaban con los programas de esos tiempos, muchos de ellos eran series estadounidenses traducidas o dobladas por actores mexicanos o portorriqueños.
Creo que pasaron un par de años antes de que comenzaran a exhibir en Chile una serie que -con el correr de los años- se convertiría en una de mis favoritas. Me refiero a la magistral Star Trek, que en español se presentaba como "Viaje a las Estrellas".
Para quienes no sepan a que me refiero, se trataba de una serie que narraba los viajes espaciales de la nave Enterprise, en pleno siglo XXIII, astronave perteneciente a la Federación Unida de Planetas que era comandada por el capitán James Tiberius Kirk, siendo su primer oficial el Sr. Spock (excelente amigo de Kirk) y el también muy unido en amistad LeonardMcCoy, oficial médico jefe del Enterprise.
La nave (el NCC 1701, del tipo Crucero pesado clase Constitución, USS Enterprise) era la "joyita" tecnológica que permitía que la tripulación compuesta por poco más de 300 personas viajara explorando el espacio... explorando nuevos mundos... buscando nueva vida y nuevas civilizaciones...para ir donde nadie ha llegado antes.
La tripulación de esta singular nave es multirracial y con diversidad de género. El autor de esta magistral serie (Gene Rodenberry) pensaba que los prejuicios raciales y el sexismo no existiría en el siglo XXIII. dentro de esta variada gama de seres de diferentes razas (blancos, negros, orientales, etc.) también se agregaban seres alienígenas, de hecho el Sr. Spock (quien es mitad humano, mitad vulcano) es un fiel representante de esta tripulación multirracial.
El espíritu de Star Trek es un mundo donde no hay diferencias de razas ni naciones, y donde ha dejado de existir la discriminación por cualquier causa. Es un futuro mejor para la humanidad.
Lo interesante es que esta serie se basa en lo que puede ser el futuro... y lo hace de tal forma que los artilugios empleados en ella generarán ideas que se traducirán en pocos años en importantísimos avances tecnológicos, como son -por ejemplo- las puertas que se abren solas, los teléfonos móviles, los scanners y muchas otras ideas que han alimentado el deseo de miles de científicos de hacer realidad lo expuesto en la serie.
STAR TREK es mi serie de TV favorita por todo lo antes mencionado y por mucho, mucho más.
Quiero dejarlos con el video que muestra la introducción a la serie antigua (original) y luego al de la nueva generación... las que pueden disfrutar después de decirles:
"El espacio, la frontera final. Éstos son los viajes de la nave espacial Enterprise. Su continua misión: explorar extraños y nuevos mundos, buscar nuevas formas de vida y nuevas civilizaciones, viajando temerariamente a donde nadie ha llegado antes."
Introducción a la serie Original (inglés), con la presentación de todos sus personajes:
Introducción a Star Trek: La nueva generación (en español):
Hace ya casi dos años escribía (en este mismo blog) sobre una serie de TV que me cautivó desde niño. Esa serie era el western Bonanza (creación de David Dortort).
Pues bien. Quiero hoy escribir y contarles (a aquellos que nunca vieron "El Gran Chaparral") lo impactante que resultó para mi (como niño) ver escenas de una creación del mismo David Dortort, llamada EL GRAN CHAPARRAL, en la que los personajes (a diferencia de Bonanza) eran más rudos y luchaban frecuentemente contra los indios Apaches.
Es inolvidable, por ejemplo, el simpático "Manolito" Montoya. ¿Alguien lo recuerda?. Personaje interpretado por el actor Henry Darrow.
Quiero dejar el testimonio de otro sitio web, en que se menciona el argumento de fondo y las diferentes situaciones que debían enfrentar los Canon y los Montoya en la hacienda El Gran Chaparral, en nuevo México.
"El Gran Chaparral (The High Chaparral) fue una serie western de los años 60 que se estrenó por la cadena NBC el 10 de septiembre de 1967, la que duró cuatro temporadas y tuvo aproximadamente 98 capítulos.
La serie era protagonizada por el veterano actor Leif Erickson como John Cannon, dueño del rancho llamado "El Gran Chaparral" ubicado en el actual desierto de Sonora, se desarrolló en el viejo oeste norteamericano tratando sobre la vida de dos familias: los Cannon y los Montoya.
La famila Cannon estaba compuesta por John, un fornido y recio aventurero decidido a luchar contra la naturaleza y los apaches para mantener su rancho en pie, y su refinada esposa mexicana Victoria Montoya (Linda Cristal), hija de otro poderoso ranchero de la región apodado "El León de Sonora", Don Sebastián Montoya (Frank Silvera). También estaban el leal hermano menor sin fortuna de John, Buck Cannon (Cameron Mitchell), y Blue (Mark Slade), hijo de John en un matrimonio anterior.
El cuadro de protagonistas se completaba con el divertido y disoluto Manolo Montoya, comúnmente llamado Manolito, hermano de Victoria. Este último había pasado a radicar en El Gran Chaparral, pues le disgustaba ser tratado como "el hijo del patrón" en el rancho de su padre.
También destacaron como eficaces secundarios el capataz Sam Butler (Don Collier), los trabajadores Joe Butler (Bob Hoy) y Pedro (Roberto Contreras), así como el leal mayordomo Vaquero (Rodolfo Acosta).
A pesar de sus esporádicas apariciones, igualmente es recordada la presencia de la buscavidas mexicana Perlita (Marie Gómez), "novia" de Manolito y de muchos otros habitantes de la región.
A menudo, los habitantes del Gran Chaparral entraban en conflicto con los Apaches o debían protegerse contra bandoleros, desertores del ejército, etc.
La serie se destaca sin duda por sus hermosas localizaciones naturales y también por sus abundantes situaciones divertidas, en las cuales los personajes lucen con naturalidad tantas virtudes como defectos.Otra de las características únicas de esta serie es que no se trata del héroe vaquero, indomable, amigo de todos e incorruptible que solo es leal a sí mismo, sino que son un grupo de personas que funcionan bien entre sí y conforman una familia en este recio entorno".
Las películas musicales fueron una constante muy recurrida en las películas rodadas a finales de los años cuarenta y casi toda la década de los cincuenta. Son films (la mayoría) de estilo, coloridas y glamorosas.
Muchos de estos film fueron incorporando buena música a las coloridas coreografías. Sin embargo en los años cincuenta se da el film en que se mezcla la música con la comedia. Es el caso de las recordadas películas de Doris Day y Rock Hudson.
Pillow Talk (Confidencias a medianoche o Problemas de alcoba) es la primera de las tres películas en las que actuó el trío formado por Rock Hudson, Doris Day y Tony Randall. El film ganó un Oscar al mejor guión original, y obtuvo cuatro nominaciones, a la mejor actriz principal (Doris Day), a la mejor actriz de reparto (Thelma Ritter), a la mejor dirección artística, y a la mejor música.
Doris Mary Ann von Kappelhoff, más conocida como Doris Day (con 85 años a la fecha) es una actriz y cantante estadounidense que se convirtió en una de las actrices más prolíficas durante los años 50 y 60. Capaz de cantar, bailar e interpretar papeles tanto de comedia como dramáticos, fue una de las grandes estrellas de Hollywood durante mediados del siglo XX y está considerada como uno de los Mitos del Séptimo Arte.
Roy Harold Scherer Junior o simplemente Rock Hudson, fue famoso por sus papeles de galán, que antes de hacer cine trabajó en diversos oficios (cartero, camionero, taxista), alternando estos trabajos con numerosos ´castings´. A fines de la década de 1940 consigue aparecer en pequeños papeles, logrando un contrato con Estudios Universal en 1949. Rock Hudson fue una de las grandes estrellas del cine norteamericano y tuvo la connotación de haber sido uno de los primeros casos publicitados de Sida en los Estados Unidos, enfermedad que lo llevó a la muerte en octubre de 1985.
A continuación la canción que interpretó Doris day en "Pillow Talk".
Hoy, fecha en que publico esta nota, se cumplen 516 años del descubrimiento de América, fecha en que si bien unos celebran la llegada de Colón a tierras americanas, otros celebran el "Día de la Resistencia Indígena".
El significado de esta fecha es divergente.
Pero lo que me lleva a escribir este artículo es el músico griego Evangelos Odyssey Papathanassiou (más conocido como Vangelis), es un famoso compositor musical que se ha destacado por la fuerza de sus interpretaciones, las que se han hecho famosas en las bandas sonoras de films como Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992).
La música de Vangelis se caracteriza por crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne.
La obra de Vangelis no sólo se acerca al cine, sino que como tecladista e intérprete de música electrónica, ha realizado composiciones que son maravillosas obras de diversidad y complejidad difíciles de catalogar. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto.
Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro (Antígona) y musicales (Frankenstein o el moderno Prometeo, La bella y la bestia).
A continuación les ofrezco el trailer de 1492: La conquista del Paraíso, para que gocemos de la obra de este gran músico griego... El gran Vangelis
Es común que cuando vemos una película escuchemos la música que acompaña a determinada escena. Esto es conocido como "Música incidental", la que puede haber sido creada especialmente para el film o puede ser música ya existente y usada para la escena o la película en si.
Cuando en 1927 se inicia el cine sonoro se presentó un problema para los directores, pues si querían música para determinada escena esta debía salir de alguna parte. ¿De dónde podría provenir música?... ¿De la nada?... Era necesario "justificar" su origen, por esto -entre 1927 y 1933- los films que contemplaban música, necesariamente, debían de contemplar escenas en salones de baile o músicos u orquestas que aparecían en la película, encareciendo su producción.
Debemos tener en cuenta también que -en esos años- aun no existían medios que permitieran grabar y editar la música para luego añadirla al film.
En 1930 llegó la tecnología que permitiría la edición de la banda sonora de un film. Sin embargo la primera película que se filmaría con edición de banda sonora (con música incidental) fue el "Clásico" de 1933 KING KONG.
El músico austriaco Maximilian Raoul Walter Steiner, gran compositor de música para películas de todos los tiempos, fue quien compuso la música de KING KONG, iniciando esta nueva etapa en el cine en la que la música incidental tendrá un papel relevante en la emoción de la escena.
Maximilian Raoul Walter Steiner es más conocido como Max Steiner y fue el autor de temas musicales como los usados en films como: Casablanca, Jezabel, Lo que el viento se llevó o Centauros del Desierto entre otras. Demás está decir que Max Steiner estuvo nominado al Oscar en 26 ocasiones y que obtuvo 3 en total.
King Kong no obtuvo Oscar por efectos especiales ni por banda sonora ni música, pues estos premios fueron agregados o "inventados" en forma posterior a esta película.
Con la música incidental de Max Steiner para King Kong, cambiando para siempre la historia del cine, pues la música no viene de ningún lugar en pantalla, veamos el trailer del Film KING KONG, de Merian C. Cooper, 1933.
El movimiento hippie tuvo su prosperidad a fines de los años 60, cuando comenzó a demostrarse que la guerra en Vietnam no estaba ganándose. Este movimiento fue de origen estadounidense y comenzó su expansión sobre todo a partir de 1966-67 desde su origen en California hacia el resto de EEUU, y después a Europa, América Latina, y Oceanía.
El icono del hippie suele ser un hombre con el pelo y barba notablemente más largos que lo considerado formal en la época de mediados de los años 60. Ambos sexos tendían a dejarse el cabello largo y algunos hippies de raza blanca lo llevaban al estilo afro, imitando a los afroamericanos. Sus vestimentas psicodélicas de brillantes colores, largas faldas o pantalón “pata de elefante”, símbolos como flores, música rock, amor libre, tolerantes de la homosexualidad y de las relaciones interraciales, vida en comunidades, uso de incienso y drogas eran el “símbolo” que identificó a este inmenso grupo de jóvenes que abrazó este estilo de vida en muchos países del mundo.
La sociedad de esos años consideraba estos largos cabellos una ofensa, lo mismo también era considerado por ser «anti-higiénicos» ya que los hippies eran poco amantes del uso del agua y del jabón, prefiriendo vivir “lo más natural posible”. Es posible encontrar documentado que el entonces gobernador de California Ronald Reagan, definió al hippie como «un típo con el pelo como Tarzán, que camina como Jane y que huele como Chita».
¿Y qué tiene que ver el movimiento Hippie con la música y el cine?
Pues bien. Como una forma de reflejar el movimiento juvenil de esos momentos (el hippismo), es que -en 1970- Tim Rice y Andrew Lloyd Webber presentaron en Brodway una ópera rock que mostraba la última semana de vida de Jesús. Esta obra se inmortalizaría con el nombre de “Jesus Christ Superstar” o Jesucristo Superestrella, la ópera provocó una gran controversia y muchos grupos religiosos protestaron porque el espectáculo mostraba a un Jesús en su faceta exclusivamente humana y la fuerte influencia hippie que se podía palpar en ella.
En 1973 Jesucristo Superstar es llevada al cine en una película dirigida por el estadounidense Norman Jewison, manteniendo los libretos y música originales de Tim Rice y Andrew Lloyd Webber.
La película fue filmada en Israel en los restos de la ciudad de Avdat u Ovdat (en Hebreo ע ב ד ת), la mayor ciudad nabateos en el Negev, la que se encuentra en una colina con vistas a la piedra caliza en una montaña en el centro del desierto de Negev en la carretera de Petra y Eilat, en el Parque Nacional Avdat de Israel.
Los protagonistas de la película eran Ted Neeley en el papel de Jesús, Carl Anderson en el de Judas Iscariote e Yvonne Elliman en el papel de María Magdalena.
Con una fotografía grandilocuente de Douglas Slocombe y las espectaculares voces de Ted Neeley, Carl Anderson e Yvonne Elliman el film logró - en pocas semanas- llegar rápidamente a los 1º lugares del ranking.
Recuerdo que siendo aun un niño, mis primos Pascual y Emilio Neves, eran verdaderos admiradores de esta genial obra, influenciando en mi que esta fuera también una de mis obras favoritas.
Personalmente me marcó la parte inicial del film, el que comienza con la llegada de todos los actores en un bus, la descarga del material de filmación, utilería, trajes y la transformación o caracterización que comienzan a tomar los actores y bailarines, sobretodo destacando entre ellos a Jesús, el que emerge de en medio del grupo al tiempo que es investido con una sencilla túnica blanca, mientras extiende sus brazos, creando el centro de la atención al momento en que suenan los acordes que identifican la melodía principal.
Con ustedes la «Overture» de Jesus Christ Superstar.
La Canción del Rey Herodes (en donde podemos ver parte de lo mencionado en los hippies)
Y por último la condena de Jesús por parte de Pilatos
Vaya este artículo dedicado con cariño a los primos antes mencionados.
Arthur Charles Clarke, más conocido como Arthur C. Clarke (hoy con 91 años de edad) es un destacadísimo escritor inglés, autor de muchas obras científicas y de ciencia ficción. Tal vez la más destacada sea la novela que sirvió como guión para la película homónima "2001: Una odisea del espacio".
Fue el cineasta, director y productor estadounidense Stanley Kubrick quien inmortalizaría dicha obra de Clarke llevándola al cine en una magistral producción que es tal vez la obra cumbre de Kubrik.
Odisea espacial es "La" película de ciencia ficción que logra rescatar el género, tan mal tratado por Hollywood, permitiendo con un realismo asombroso para la época (pues sus efectos especiales son asombrosos y le valieron el Óscar) rescatar la ciencia ficción del abismo en que la habían llevado producciones de con guiones de muy mala calidad, efectos baratos, llenos de monstruos, mutantes y una fantasía poco creible.
1968 fue el año de "2001: Una Odisea espacial", que relata la fascinante historia desde "El amanecer del hombre" desde los oscuros tiempos de la prehistoria hasta nuestro futuro con la misión espacial a Júpiter.
Con respecto a la banda sonora del film resulta muy interesante, pues Kubrik utiliza la música de Richard Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), y de Johann Strauss hijo (vals Danubio Azul) así como la música de György Ligeti (fallecido recientemente) que acompaña las imágenes del espacio.
Una de las escenas más recordadas es la maniobra de aproximación a la estación espacial, en donde el genio de Kubrik se hace evidente y la escena es magistralmente acompañada por el vals Danuvio Azul, que es la escena que se presenta a continuación.
Kubrik y Clark, dos grandes unidos por la misma obra: "2001: Una Odisea Espacial"
Tenía apenas un año de haber nacido y, en Hollywood, triunfaba un film (en blanco y negro) cuya música marcaría una época. Al menos por varios años la música del film sería escuchada con aprecio por quienes vivieron esa época de mediados de los años sesenta.
Pero... ¿a qué película me refiero?
A una en que nos cuenta la historia de un joven inglés que hereda una propiedad en una isla griega. Al viajar allá conoce a Zorba, un griego que le enseña a vivir y apreciar la vida, la vitalidad por disfrutar cada instante a disfrutar de su existencia y lo sencillo de la vida entera... entre ello el baile.
Se imaginarán (los más "antiguos", para no llamarlos "viejos") a qué película me refiero. Si. A "Zorba, el griego", película basada en la novela "Alexis Zorba" de Nikos Kazantzakis, la que postuló a 7 óscares y que obtuvo 3: mejor actriz de reparto (Lila Kedrova), mejor dirección artística y a la mejor fotografía.
Zorba el griego es una película que cuenta la historia de este magnífico y sencillo griego interpretado por el "gigante" de la pantalla Anthony Quinn, acompañado por un elenco de grandes estrellas, como: Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova, Sotiris Moustakas.
La música fue obra del famoso Mikis Theodorakis, uno de los principales compositores e intelectuales griegos, conocido también por su militancia política y destacada participación en la vida democrática de la Grecia de la segunda mitad del siglo XX, así como por haber tomado contacto intelectual con grandes y conocidos personajes, entre ellos: Arthur Miller, Laurence Olivier, Yves Montand Dmitri Shostakovich, Leonard Bernstein, Harry Bellafonte, Pablo Neruda, Salvador Allende, Nasser, Tito, François Mitterrand y Olof Palme entre muchos otros.
Mikis Theodorakis crea el tema principal de la película, conocido como la danza del Syrtaki, la que se convierte en un éxito internacional y es actualmente uno de los más importantes sellos de identidad de Grecia.
Para ustedes la escena en que Zorba (Anthony Quinn) enseña la danza del Syrtaki a Basil (Alan Bates):
* Título original: Alexis Zorba * País: Estados Unidos - Reino Unido - Grecia * Año: 1964 * Duración: 142 min. * Género: Drama * Producción: Michael Cacoyannis, Anthony Quinn * Dirección: Michael Cacoyannis * Guión: Michael Cacoyannis * Fotografía: Walter Lassally (blanco y negro) * Música: Mikis Theodorakis * Reparto: Anthony Quinn, Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova, Sotiris Moustakas
Tenía 23 años (en 1986) cuando se dió una película que pasó -casi- sin pena ni gloria, pero que su título y el tema central de la película me cautivaron.
Se trata de STAND BY ME (cuenta conmigo) film de 1986 que fue diriguido por Rob Reiner.
El tema está centrado en cuatro amigos de alrededor de 12 o 13 años, que viven en un pequeño pueblo de EE.UU. a mediados de los años 60, los que deciden emprender una excursión de un par de días en busca de un niño desaparecido. La idea es convertirse en héroes, pero todo cambia cuando se encuentran con los matones del pueblo. La película es entretenida, con fuertes valores como la amistad y posee momentos con escenas muy bien logradas.
Lo magistral es la música, específicamente el tema central de la película y que le da el nombre a la misma. STAND BY ME (cuenta conmigo), tema del músico Ben E. King compuesto en 1961 junto a Jerry Leiber y Mike Stoller.
Cuenta Conmigo es una película que trata de la amistad y de la inolvidable experiencia de hacerse mayor. El film está basado en la novela corta de Stephen King, “El Cuerpo”.
A continuación los dejo con un tributo al film, con escenas de la película y la música de tema central.
Alan Silvestri es un conocido compositor musical de bandas sonoras de diferentes films. Nacido en Nueva York un 26 de marzo de 1950 Silvestri comenzó el camino de la música siendo bastante joven, hasta que en 1983 saltó a la fama al tomar contacto con el director de cine Robert Zemeckis.
Antes de que Zemeckis lo contratara, Silvestri había participado en la elaboración de música para la película "The Doberman Gang" (1972) y series de TV como "Starsky y Hutch" y "CHiPs".
La unión con Zemeckis sería una sociedad que daría muy buenos frutos en el cine. Películas como Volver al Futuro (en su trilogía), Forrest Gump, Contact, le han valido nominaciones al Oscar y a los Grammys.
Sin duda que muchos recordamos los acordes de Silvestri en Volver al futuro.
Les dejo un video que arreglé personalmente, con escenas de la película y de fondo la música de VOLVER AL FUTURO.
Sombras Tenebrosas fue una serie de televisión norteamerica que por años se mantuvo en la cartelera televisiva.
Desde 1966 y hasta principios de 1971 eramos cientos de personas las que seguíamos cada uno de sus espeluznantes capítulos.
Los lectores de menos de 35 años casi no recordarán al más famoso vampiro después de Drácula. El protagonista de la serie era Barnabás Collins, dueño de una antigua mansión llamada Collinwood, ubicada en lo alto de una colina en Collinsport, Maine, un estado norteamericano fronterizo con Canadá en la costa este. La serie ganó rápidamente adeptos, aunque inicialmente el protagonista (Barnabás) no era parte del reparto, ya que fue agregado casi un año de iniciada la serie, para darle el "toque mágico" a una serie que hubiera pasado sin pena ni gloria de no haber sido por este "especial" personaje.
La trama contenía todo lo necesario para que siempre el misterio, las intrigas y diversos personajes como fantasmas, brujas y espíritus mantuvieran a la audiencia pegadas a la pantalla.
El actor canadiense Jonathan Frid fue el actor que encarnó por años al sinietro pero querido vampiro.
Uno de los ingredientes que ponían los pelos de punta era la siniestra música de la serie, de quien nuna he podido saber cuál es su autor.
Dejo para ustedes el tema de inicio de la serie DARK SHADOWS o SOMBRAS TENEBROSAS...
(Bueno, por problemas de licencia tuve que cambiar a un video en que vemos una escena de Sombras tenebrosas. Ojala lo disfruten.
El compositor italiano de música de cine, Nino Rota, falleció a los 68 años en Roma un día martes 10 de abril de 1979.
Aunque la gran mayoría no lo "ubica" es posible que hayan escuchado alguna de sus creaciones en alguna de las películas del director italiano Federico Fellini, para quien Rota realizó múltiples creaciones.
Sin embargo Nino Rota logró impactar al mundo con su música en el Film "El Padrino", postulando al Oscar como mejor composición, pero no ganó el preciado premio debido a que parte de la música ya había sido empleada en 1958 el la película "Fortunella".
La creatividad de Nino Rota y el exquisito gusto musical "con sabor italiano" lo hicieron participar de la segunda parte de El Padrino. En esta oportunidad compuso junto a Carmine Coppola (padre de Francis Ford Coppola) la música que a la postre sería elegida como la mejor composición de la entrega de óscares en 1974, compitiendo con música de otros famosos y míticos músicos de cine y excelentes films (Jerry Goldsmith por "Chinatown", John Williams por "Infierno en la Torre", Richard Rodney Bennet por "Asesinato en el Expresso del Oriente") y siendo el triunfador ese año.
Quiero dejarlos con el trailer de la película El Padrino, en donde podemos apreciar la maravillosa música del gran Nino Rota.
En la década del 60 la televisión entraba poco a poco en los hogares. La TV, en Chile, recién se había iniciado en 1957 y, como ocurre en todo país donde las cosas que pasan se centran en la capital, Santiago era el lugar en que la televisión era una realidad. Los hogares acomodados contaban con inmensos aparatos de televisión que, para moverlos de lugar, era necesario hacerlo entre dos o tres adultos.
Debido a la escasez de aparatos de televisión y el corto alcance de las emisiones, poseer un receptor era sólo un "lujo" de algunos. Sin embargo con la realización de la Copa Mundial de Fútbol de 1962 realizada en nuestro país, se masificó el número de televisores, permitiendo que poco a poco las personas fueran interesándose en tener una "Tele" en casa.
Quienes éramos niños en esos años disfrutábamos de varias series de televisión (en blanco y negro) que marcaron historia.
En mi caso mi familia no tenía los medios para adquirir un aparato de TV, por lo que para disfrutar de algún programa visitábamos a una tía que tenía un televisor Phillips (tan grande como un mueble grande) para ver diversas series de televisión.
La serie favorita de esos años (1967 o 1968) era la que contaba la historia de una acomodada familia del oeste norteamericano de fines del siglo XIX. Ellos vivían en Virginia City y tenían un enorme rancho que se llamaba "La Ponderosa". Los Cartwright, eran una familia de tres hijos que vivían con su padre (viudo tres veces y cada hijo de diferente esposa). Estos hijos eran Adam (Pernell Roberts), Hoss (Dan Blocker) y Joe (Michael Landon). El padre era interpretado por Lorne Greene como Ben Cartwright.
La serie, como muchos ya adivinaron, se llamaba BONANZA y tenía una atractiva presentación musical, la que deseo sacar del baúl de los recuerdos y entregárselas con cariño a todos ustedes.
Cabe destacar que, históricamente, Bonanza es la 2º serie de TV del tipo western más visto de todos los tiempos, después de La Ley del Revolver.
Para quienes nunca vieron Bonanza ojalá disfruten del video y su música.
